Pianoforte

Il s’adresse aussi bien à :

– un claveciniste diplômé désireux d’étendre par exemple son répertoire à une virtuosité typique du XIXème siècle, ou d’approfondir une recherche sur une certaine période charnière du XVIIIème siècle (au croisement des deux familles d’instruments)

– un organiste désireux de pratiquer un clavier sensible et léger nécessitant l’usage de la pédale forte, ou désireux de mieux comprendre les parallèles possibles entre ces instruments pratiqués de fait en parallèle par les compositeurs concernés

– un pianiste ayant fait des études habituelles en classe de piano, désireux d’approfondir ses connaissances historiques de façon pratique et appliquée sur des claviers extrêmement différents et exigeants. Là, l’aspect nécessaire de recherche permanente le conduira par définition vers une approche très personnelle du développement de ses aptitudes et donc l’aidera à acquérir un profil artistique professionnel très riche.

La pratique du pianoforte au sein de l’institution pourra déboucher sur un choix de carrière conscient pour le futur musicien, et sur des possibilités démultipliées au niveau professionnel. La formation complète lui permettra de s’orienter aussi selon ses affinités : soliste, musicien de chambre, continuo en opéra par exemple, tout en ayant une vraie connaissance des instruments spécifiques à chaque période et du type de jeu requis.

Le piano d’époque communément appelé pianoforte est en fait un instrument ayant connu un développement rapide, complexe et exponentiel (surtout de la fin du XVIIIème siècle jusqu’au milieu du XIXème). Les structures constructives, matériaux, et concepts esthétiques ont parfois évolués à 5 ans près pour donner un résultat très différent. Jouer un clavier à 5 octaves requiert une autre technique qu’un clavier à 6 octaves, et puis à 7 octaves. Le poids à déplacer dans le clavier est différent, là des genouillères, là des pédales…. Chaque élément a une importance dans la démarche artistique du musicien car il a été utilisé avec grande subtilité par les compositeurs de l’époque. Se pencher sur l’adéquation instrument-compositeur-interprète permet de reconstruire une démarche artistique de recherche pour l’étudiant. Exemple : un étudiant s’intéresse à la musique du compositeur J.G.Eckard ( 1735-1809) qui se trouve à la croisée des chemins ( clavecin, clavicorde, pianoforte). Il semble être naturellement le compositeur pour pianoforte, mais quel instrument exactement (son voyage à Paris avec Stein n’est qu’un élément…) ? Comment replacer son parcours vis-à-vis de l’évolution du pianoforte à cette époque ? Quel type de jeu a-t-il développé sur quel clavier ? Le questionnement et les recherches de l’étudiant l’amèneront à une approche personnelle et consciente de ce qu’il présentera.

La pratique des instruments présents au sein de l’institution démontre déjà le grand écart possible au niveau de la connaissance des styles (CPE Bach, Haydn, Mozart versus Chopin, Mendelssohn). Même si les éléments rhétoriques fondamentaux se retrouvent aussi bien au XVIIIème siècle qu’au XIXème siècle, leur utilisation in situ, leur application musicale et les conséquences sur l’ornementation demandent une étude détaillée et concentrée. Exemples : -définir la direction et le point culminant d’une phrase chez Haydn en fonction des éléments rhétoriques, rythmiques (en fonction du tempo), contextuels (à quel moment dans la structure globale). Choisir l’ornement approprié (la vitesse d’un mordant peut se révéler différente dans un mouvement lent que dans un Allegro) -gérer le rubato chez Chopin en fonction du phrasé et des directions soumises elles à l’inspiration du bel canto, en gardant une notion appropriée de la place des ornements

Une introduction sur la technique de l’accord du pianoforte participera au développement d’une écoute bien plus différenciée et d’une concentration particulière. Le son étant très complexe (beaucoup d’harmoniques supérieures sont présentes) dû au fait entre autres que trois ou deux cordes sont percutées en même temps par un marteau, l’étudiant sera stimulé à écouter plus profondément la qualité du son qu’il produit quand il joue, et à avoir une démarche de découverte des possibilités multiples de l’instrument. D’autre part, le développement de l’oreille en fonction de la compréhension d’un tempérament est pour tout claviériste d’une importance cruciale. Cela l’aide à penser en intervalles et non plus en ‘notes’, et d’approcher la structure harmonique d’une œuvre de façon plus consciente. Cela lui permet aussi de fonctionner mieux en ensemble (musique de chambre) car il comprend quand les intervalles sont colorés, et de ce fait peut participer à une qualité d’intonation globale de son ensemble. La qualité d’écoute participe fondamentalement au développement artistique du musicien futur car elle définit la qualité de sa concentration et lui donne les clés de l’indépendance après sa formation.

Une attention particulière sera cultivée pour le texte et les problèmes fréquents rencontrés au niveau des différentes éditions. Exemple : Quelles décisions prendre lorsque plusieurs éditions se contredisent quant à une liaison ou un ornement…en resituant le contexte, la signification des figures rhétoriques, les traditions de la période en question ( école allemande, française, anglaise…), le type d’instrument concerné….
Le jeu avec partition sera développé dans un souci d’aisance de lecture permanente, et de respect du détail. Les techniques particulières liées à ce type de jeu (déplacements rapides, sauts et connaissance du clavier en aveugle) seront enseignées comme fondement d’une technique détendue et efficace permettant de développer une interprétation libre et privilégiant la prise de risque musicale.